Gegensätze ziehen sich an.

In Maria Braunes Praxis sind Realität und Erscheinung miteinander verstrickte, aber oft gegensätzliche Kräfte. Es ist jedoch weniger eine antagonistische Beziehung, als vielmehr eine Art Tanz. Eine anmutige Verflechtung (und gleichzeitiges Aufheben der Grenzen) von Wahrheit und Fiktion, Formalität und Gefühl, Erfindung und Rückblick. Betrachtet man die organische, fließende und flüssige Form von Braunes eigenständigen Skulpturen und Installationen, so scheinen die Stücke fließende Standbilder zu sein, Screenshots eines bewegten Bildes, und doch sind sie fest, starr und stabil. Ein Moment flüssiger Bewegung, unmöglich und auf unbestimmte Zeit verlängert. Betrachtet man dann wiederum ihre jüngsten Arbeiten unter Glas, die Apollon –Reihe, so scheinen diese anhaltend, permanent, dauerhaft — wie wissenschaftliche Proben, die für das Archiv aufbewahrt werden — und doch bleiben sie in Bewegung. Da sie sich aufgrund des fehlenden Kontakts mit Luft nicht verfestigen können, sind die Stücke vergänglich und entwickeln sich (oder verfallen) im Laufe der Ausstellung. Die Farben und Formen werden sich verschieben, vielleicht werden neue biologische Eingriffe (Sporen, Schimmelpilze) auf dem feuchten bildnerischen Substrat ansetzen und wachsen. Diese jüngsten Arbeiten sind auch insofern widersprüchlich, als Braune das Material und die Sprache ihrer skulpturalen Produktion verwendet, sie jedoch zwischen Glas abflacht und damit buchstäblich im Rahmen von Gemälden präsentiert. Inhaltlich verfolgt die Künstlerin einen zweigleisigen Ansatz. Einerseits erforscht sie formale Fragestellungen von Skulptur und Installation in Bezug auf Formen im Raum, ein Interesse am räumlichen und historischen Kontext. Braune bringt einen prüfenden Blick und ein kontextuelles Bewusstsein in jede ihrer Installationen ein, wobei sie bevorzugt standortspezifisch arbeitet. Andererseits befasst sie sich intensiv mit persönlichen Beobachtungen in der Welt um sie herum, ihrem Privatleben und breiter gefächerten gesellschaftlichen Stellungnahmen. Jeder Arbeitszyklus verkörpert und illustriert eine zutiefst subjektive Reihe von Erfahrungen, gefiltert durch die Linse vertrauter Mythen. In der Reihe Ikarus verweist Braune durch eine abstrahierte Auseinandersetzung mit der Sage von Ikarus, dessen Hybris ihn zu nahe an die Sonne fliegen ließ, um sodann brennend auf die Erde zu fallen, auf Machtdynamiken, Exzesse und Missbrauch von Autorität oder Einfluss, die in ihrer eigenen unmittelbaren Umgebung ebenso offensichtlich sind wie auf der Weltbühne der Geopolitik, der scheiternden Diplomatie und des Krieges. Die organischen, sogar romantischen Formen in der Arbeit und die weiche Farbpalette werden präzise ausgewählt, in skulpturalen Modellen geprobt und mit symbolischer Bedeutung (weiß für Unschuld, graduierend zu rot für Feuer und Zerstörung) beladen, aber es gibt immer ein entschiedenes Moment des Zufalls und der Schaffung eines Raums für Überraschung, der in den Prozess eingebaut ist. Die Extremitäten der Skulptur haben Blasen und Verbrennungen; ein offensichtlicher Hinweis auf die Ikarus- Geschichte, aber auch eine feurige gesellschaftliche Stellungnahme zu Größenwahn und Überreichweite und ein Beweis für Braunes experimentelle Herangehensweise an ihr Material (durch ihre akribischen Materialuntersuchungen entdeckte sie die faszinierende Eigenschaft von Migma, bei großer Hitze wie Popcorn zu „knallen“).

Beim Schreiben über ihre Arbeit steht oft das Material Migma bei Braune im Vordergrund, eine Verbindung natürlicher Inhaltsstoffe, die sie in mehreren Jahren intensiven Experimentierens selbst entwickelt hat. In der Tat ist es ein faszinierendes und in sich widersprüchliches Material. Es ahmt perfekt das Aussehen und viele der ungewöhnlichen formbaren Eigenschaften von Kunststoff nach, ist aber umweltfreundlich, leicht abbaubar, recycelbar und ungiftig (im Gegensatz zu Kunststoff). Aber was hinter dem Phänomen des Materials steckt, ist Braunes methodischer, akribischer Hang zu experimenteller Untersuchung. Ihr Atelier sieht oft wie ein Labor aus und sie führt umfassende Notizen, gleich einer Wissenschaftlerin. Dennoch sind die Werke selbst, wenn man ihnen in einer Galerie begegnet, nie kalt, sondern sinnlich, gewunden, üppig. Die ästhetische Sprache und die Titel von Braunes Skulpturen beziehen sich auf antike Mythen, archetypische Formen und Fabeln, während die materielle Ausführung der Werke eine experimentell- wissenschaftliche Innovation, Erfindungsreichtum und Präzision demonstriert. In Maria Braunes Werk gibt es eine generelle Schönheit, aber es ist keine unkomplizierte, oberflächliche oder leere Schönheit. Es gibt persönliche Befragungen, aber sie sind niemals selbstverständlich oder selbstgefällig. Es gibt Innovation, aber sie verkommt nie zu einem Gimmick und dient stattdessen der formalen Erkundung und dem Inhalt. Und es gibt Narrative, aber sie sind abstrakt, vielschichtig und immateriell. Das sind die Widersprüche, oder vielleicht sollten sie besser als Spannungen, Verwicklungen und Rätsel bezeichnet werden, die den Betrachter immer wieder zu Braunes Arbeit hinziehen und noch tiefer hinein.